Literatura de terror clásica.

¡Ay, Octubre! Menudo mes este. El paisaje se vuelve de un color anaranjado, podemos sacar ya el abrigo y la bufanda, por la calle te llega el olor a castañas asadas, las tardes de lluvia en casa con un café caliente se pasan en la gloria… y por supuesto, ¡es el mes Halloween! Y como por aquí en Papagaya nos gusta mucho la fiesta de los no-muertos en todas sus facetas, hoy queremos publicar cosillas relacionadas con esta terrorífica festividad.

Vamos a hacer un repaso muy breve a la literatura de terror por si te apetece acompañar a ese café con el mejor amigo que se puede tener: un libro.

Podemos estar de acuerdo en que el terror es uno de los géneros más prolíficos y de los que más se han desarrollado. Con los medios de hoy en día podemos encontrarnos terror de todo tipo, desde el gore al terror psicológico pasando por el género de ciencia ficción y en todo tipo de formatos como libros, cuentos, cómics, películas y series. Moldear y crear en este género no solo llega a resultar divertido, sino que además cuentas con una infinidad de recursos al tratar algo tan subjetivo como el miedo.

El terror en sí mismo no tiene un inicio como género literario ya que desde siempre ha estado inherente en menor o mayor medida en el arte, incluso en cuentos de la tradición popular, pero la mayor gestación de obras empezó en el s. XVIII con la literatura gótica. Surgida en Inglaterra y enmarcada en el contexto del romanticismo, esta literatura fue la reacción contra el pensamiento dominante de la Ilustración que estipulaba la razón como única herramienta para llegar a la verdad y al conocimiento. Aunque la obra fundadora del gótico fuera El castillo de Otranto de Horace Walpole en 1786, su máximo esplendor llegó en el siglo XIX con obras ya clásicas que perduran, que han influenciado hasta nuestros días y que siempre son una delicia leer.

Mary Shelley, con su Frankenstein o el Moderno Prometeo (1818), consiguió una obra llena de filosofía y existencialismo con la premisa de un monstruo que, aun no decidiendo haber nacido y sintiéndose un error de su creador, quiere ser un humano. Aunque, por contraparte, en estilo y narración pueda resultar más aburrido que Drácula (Bram Stoker, 1897), que tiene una trama trepidante y un protagonista que detesta y depreda a los humanos. Se podrían considerar como las mayores influencias del género ya que la cantidad de versiones de ambos hechas en cine, televisión y libros es escandalosa, pero también existen obras cumbre que pueden resultar menos conocidas como Los Misterios de Udolfo (1794) de Ann Radcliffe, El Monje (1796) de Matthew Gregory Lewis, El Fantasma de la Ópera (1910) de Gaston Leroux, Manuscrito Encontrado en Zaragoza (1804) de Jan Potocki y muchas más muy recomendables.

Edgar Allan Poe no es solo un clásico inspirador, sino una indispensable lectura. Con sus relatos de terror ha sido capaz de crear auténticas obras de arte macabras, intrigantes y angustiosas como sus famosos El Gato Negro y El Corazón Delator, capaces de incomodar a cualquiera que se sumerja también en sus poemas (quién no conoce El Cuervo y sus tajantes «nevermore») o en su novela La Caída de la Casa Usher y que también ha sido versionado y reimaginado en todas sus formas. Otros buenos autores de relatos macabros son Arthur Machen y M. R. James. Junto a él cabe hacer especial mención a H. P. Lovecraft y su influencia en la corriente del horror cósmico, una corriente que se aparta del terror clásico de fantasmas, demonios y elementos sobrenaturales para introducir ciencia ficción como dimensiones, viajes espaciales, alienígenas, etc. ¿Quién no conoce a Cthulhu y su infinito poder de destruir el mundo? Gracias a la imaginación de Lovecraft tenemos obras tan buenas como las de su etapa de Los Mitos de Cthulhu o La Búsqueda onírica de la desconocida Kadath (1943) perteneciente a su etapa onírica. Otro autor que, aunque no lo parezca, ha influido mucho en la literatura clásica del estilo es H. G. Wells con sus primeras obras de ciencia ficción La máquina del tiempo (1895), La isla del doctor Moreau (1896) y El hombre invisible (1897) y la atrevida La guerra de los mundos (1898) que fue la primera novela en mostrar el concepto de vida en otros mundos y, sobre todo, la conquista de la Tierra.

Si sales como referencia en los Simpson es que eres importante.

Hay muchísimos más autores en el género y obras que sería demasiado pesado repasar en una sola entrada, por eso me he dedicado a los muy básicos pero que son indispensables, sin embargo tú puedes hacernos una recomendación, ¿cuál es tu libro de terror clásico favorito?, ¡nos encantaría saberlo!

Fuentes:

http://www.laespadaenlatinta.com/2015/03/guia-literatura-terror-obras-fundacionales.html

http://jackmoreno.com/2013/12/27/18-mejores-libros-de-novela-gotica/

http://www.ecured.cu/index.php/Literatura_G%C3%B3tica

Autor: Paula Quintana

Recomendación de la semana: Welcome to Night Vale.

Silence is golden. Words are vibrations. Thoughts are magic.

Puede que los domingos sean en su mayoría días aburridos, donde no sales de casa y normalmente se hacen cosas productivas o los dedicas a no hacer nada. Aquí en Papagaya los domingos te traemos una recomendación para evitar que el final de tu semana sea tedioso con algo nuevo que descubrir, y hoy te recomendamos la serie Welcome to Night Vale.

Regret nothing, until it is too late. Then, regret everything. Welcome to Night Vale.

Esta serie no entra en lo convencional. Welcome to Night Vale es una serie de podcast presentado como un programa de radio donde el locutor Cecil cuenta los extraños acontecimientos y conspiraciones que ocurren en su pueblo, Night Vale, mostrando a través de anuncios, noticias e incluso la previsión meteorológica cómo en el pueblo nada es lo que parece y lo que parece preferirías no saberlo del todo.

Creado en el 2012 por Joseph Fink y Jeffrey Cranor y con la voz de Cecil Baldwin para darle vida al locutor y protagonista, Welcome to Night Vale fue el podcast más descargado de iTunes en julio de 2013 y a partir de ahí su popularidad fue creciendo. En octubre de 2013 hicieron una gira por Estados Unidos y Reino Unido de shows en vivo y hace poco han publicado una novela con la historia de dos habitantes del pueblo, ¡están que no paran!

Cecil Baldwin dándole voz a Cecil, el protagonista.

«¿Y por qué deberia escuchar ésto?» te preguntarás. No solo porque la voz del locutor Cecil es condenadamente bonita, sino que cada programa se puede escuchar independientemente ya que, menos algunos, no los une una trama principal (aunque es muy recomendable escucharlos en orden si quieres enterarte de todo lo que ocurre ya que algunos acontecimientos del pueblo se relacionan), tiene una gama de personajes secundarios que acompañan a Cecil en algunos arcos argumentales muy interesanteses y como todo buen programa de radio también tiene música. Canciones de artistas independientes o cantautores que introducen en unos minutos musicales y con los que puedes descubrir auténticas joyitas.

Los creadores, Joshep y Jeffrey junto con Cecil.

Cada programa tiene una duración de veinte minutos y puedes encontrar aquí la lista de los podcast. Si no te apetece ponerte a escuchar en inglés pero aun así tienes curiosidad hay varias cuentas de Tumblr que los traduce al español en forma de texto para así leerlos. Yo por ejemplo, sigo ésta ya que las traducciones son muy buenas y escuchar el programa en inglés me ayuda mucho a afinar el oído y practicar inglés.

En su página oficial puedes encontrar noticias relacionadas con el cast y los autores así como su canal de youtube, la novela, merchandising… y ya solo queda esperar que le eches un ojo y te guste este creepypasta y maravilla continua que viene presentada en un formato totalmente distinto y creativo.

Ya llega… ¡El despertar de la fuerza!

Hoy, 20 de octubre, ha llegado el tráiler. Y no, no hablo de camiones. Hablo del tráiler que muchísimas personas del mundo entero han estado esperando, por el que hemos suspirado y soñado. La promesa de la continuación de una de las sagas cinematográficas más aplaudidas en los últimos 40 años. Hoy se ha estrenado el tráiler definitivo de STAR WARS: El despertar de la fuerza.

Hay quien considerará que es una auténtica chorrada el hacer una entrada sólo para esto, y tratarlo como si fuera un gran evento; pero el caso, queridos lectores, es que para muchos de nosotros, que hemos crecido con estas películas, con sus personajes, la respiración de Darth Vader, su música (¡y qué música!), las espadas láser y los nombres de jedis, ES un gran evento.

No han sido pocos los que salieron decepcionados de las salas de cine con las tres últimas películas (aunque yo he de admitir que las disfruté mucho igualmente, y de hecho La venganza del Sith me encanta); y por ello, este Episodio VII trae muchas promesas consigo. Volvemos a las maquetas, los escenarios reales, al igual que las antiguas. Recuperamos la historia desde esa fiesta con los ewoks en la que, por cierto, me hubiera encantado participar. Vamos a saber qué fue de Luke, Leia, Han Solo y Chewbaca, y además conoceremos a sus herederos.

Cartel oficial de la película. ¡Nos encanta que hayan mantenido la misma estética de las anteriores!

Esta mañana, viendo el tráiler, las emociones me han invadido, ¡y las preguntas también! ¿Por qué la protagonista parece una moradora de las arenas? ¿Quién es el chico que aparece de soldado imperial y luego porta una espada? ¿Qué ha pasado con el Imperio? Y lo que más me inquieta… ¿quién se esconde detrás de una máscara y quiere seguir lo que empezó Darth Vader? ¡Qué escalofríos!

Ya sólo nos queda esperar a que llegue el 18 de diciembre. Hasta entonces… ¡habrá que hacer un maratón con las anteriores!

Autor: Claudia Antonelli

Recomendación de la semana: Roba como un artista

Cuando estudias alguna carrera artística o, simplemente, te dedicas al mundo creativo en cualquiera de sus ámbitos, te pasas la vida buscando respuestas. Es curioso: antes de empezar a dedicarte a lo creativo de lleno tienes las cosas muy claras, pero cuando te enfrentas a la realidad… oh, entonces todo se desmorona. Las dudas, la desmotivación o los bloqueos creativos son algunas de las constantes en nuestra vida. Por eso siempre terminamos rogándole a algún dios (el que sea, nos suele dar igual) que nos dé respuestas, que nos aclare por qué estamos intentando ser creativos, que nos explique por qué valemos para esto y que nos dé ánimos para continuar esforzándonos.

Esta vez yo he encontrado esas respuestas no en un dios, sino en un libro. Y por eso hoy quiero recomendarlo a voz en grito.

Roba como un artista: las 10 cosas que nadie te ha dicho acerca de ser creativo del autor Austin Kleon, se ha convertido en ese libro obligatorio en mi estantería, ese libro que siempre que me sienta desanimada secará mis lágrimas y aclarará mis dudas y preocupaciones.

Roba como un artista es, básicamente, una recopilación de 10 consejos que nos ayudarán, no solo a descubrir nuestro lado artístico, sino a saber llevar una vida creativa sana, sin quebraderos de cabeza, lágrimas o desesperación (seguro, querido lector, sabes de qué te hablo). El propio Austin dice que en este libro le habla a una versión más joven de sí mismo, brindándole todos los consejos que cree que podría haber necesitado entonces.

Una de las bases que más me fascinan de este libro es eso de que «nada es original», así que de poco vale obsesionarnos con encontrar un estilo único, con hacer algo tan diferente que deje sin aliento al personal.

«Nada es original, así que es mejor aceptar las influencias, aprender del trabajo de los demás y mezclarlo con el tuyo. Reimagina y descubre tu propio camino, sigue tus inquietudes a donde sea que te lleven […] Olvídate del viejo cliché de escribir acerca de lo que es trascendental: escribe el libro que te gustaría leer y la película que te gustaría ver.»

Para Austin el arte es robar; el arte es coger todo aquello que nos gusta, nos divierte y nos hace felices y convertirlo en algo nuevo, en algo totalmente distinto. Y la creatividad puede nacer en cualquier sitio, y puede significar cualquier cosa. Puede que en el arte existan límites, pero en la creatividad y la inspiración no.

Así que sí, tal y como crees: este libro es de lectura obligatoria para cualquier persona, sea quien sea y se dedique a lo que se dedique. Nunca está de más aceptar consejos (o rechazarlos) y siempre es bueno aprender de los errores de los demás. Y robar, no nos olvidemos de robar bien como buenos ladrones.

«Algunos consejos pueden resultar un vicio. Tómate la libertad de elegir lo que te sirve y dejar lo demás. No hay reglas.»

Para conocer un poquito más al autor: austinkleon.com

Autora: Andrea Núñez

Recopilación de consejos para no ser un mal escritor (o al menos no parecerlo).

A la mayoría de personas seguramente se les haya pasado por la cabeza en más de una ocasión ponerse a escribir. Una novela, un relato, una entrada para su blog, una lista de cosas que hacer… movidos por motivos creativos, por obligación o por simple aburrimiento está claro que lo más duro no es el hecho de escribir en sí, sino sentarse a escribir. El simple trabajo de buscar un hueco en la apretada agenda y sobre todo tener la motivación y las ganas de hacerlo puede resultar un esfuerzo enorme. También entran en juego las típicas inseguridades. «¿Qué pasa si lo que escribo es malo?», «¿si no le interesa a nadie?», por no hablar de los «no sé cómo escribir esto» y el «no tengo el talento suficiente».

Después de años viviendo estas frustraciones día sí y día también comprendo cada inseguridad, bloqueo y tropezón, y sobre todo, páginas y páginas de documentos de Word en blanco que te devuelven una mirada escrutadora y bastante desalentadora. En esos largos lapsus en los que las musas deciden tomarse unas vacaciones indefinidas he acudido mucho a esas listas de «50 consejos que todo escritor debe seguir» y he acabado aburrida de leer siempre lo mismo: consejos que acabo olvidando o simplemente no van con mi personalidad. De las listas pasé a leer artículos mucho más alentadores de escritores que admiro, de cómo ellos mismos se habían enfrentado a la hoja en blanco y lo que les gustaba encontrarse y lo que no al leer a nuevos escritores. De todo eso me he inspirado para traerles en el artículo de hoy una recopilación personal de consejos para superar el miedo a escribir, sentarse a escribir y la inseguridad de que te lean.

1. Busca una rutina que vaya contigo.

De madrugada, por la mañana temprano, en el hueco después de comer… siempre hay un buen momento para escribir, pero ese momento tiene que ir ligado a tus hábitos, tu horario, a tus momentos del día. No pretenderás ponerte a escribir tarde por la noche cuando estás muy acostumbrado a madrugar ya que no estarás a lo que estás. Si escribir todos los días no va contigo puedes adjudicar días concretos para ello, ya sabes, lo importante es buscar tus huecos de tranquilidad y establecerte una rutina.

2. Planificación.

Si tu intención es la de escribir una novela enterita seguramente no sepas por donde empezar ni por donde terminar. Antes de sentarte a escribir lo primero que se te ocurra mi consejo es que crees un orden básico en tu historia. Personajes, trama principal, trama secundaria. Inicio, desarrollo, desenlace. No tienes por qué tener un planning megaelaborado de tu historia, no tiene ni por qué estar al completo, pero partir de una base siempre es bueno y ya tendrás mucho, mucho tiempo para modificar lo que te apetezca.

3. ¡Escribe, escribe, escribe!

¿Ya tienes tu rutina y la planificación hecha?, ¡bien!, ¿has llegado a ese momento del día en el que te has sentado delante del ordenador?, ¡genial! Y ahora, ¿vas a escribir?

¡No, insensato!, ¡ni se te ocurra abrir Twitter! Que no te dé miedo esa página en blanco, hay días en los que se puede estar más o menos motivado para ponerse a escribir, pero no es excusa. Escribe lo que te apetezca, escribe lo que llevabas planeado, escribe alguna locura que se te ocurra al instante o improvisa. Si vas dejando el hábito de escribir después es más difícil volver a recuperarlo (como el gimnasio, irónicamente). Si aun así la inspiración te juega una mala pasada aconsejo usar un generador aleatorio de este estilo que seguramente te ayudará a motivarte o a improvisar alguna escena.

También puedes aprovechar, aunque no tengas el ordenador cerca, para escribir en cualquier momento que tengas muerto durante el día en el margen de alguna libreta o en una socorrida nota del móvil. Yo siempre acabo escribiendo donde pillo cualquier pensamiento o frase, pero recomiendo la aplicación Evernote ya que puedes sincronizar después las notas con el ordenador. ¡Nunca se sabe cuando puede atacar la inspiración!

La Moleskine a lo hipster style nunca falla.

4. ¿Cómo empezar a escribir?

Podemos estar de acuerdo en que siempre el principio de cualquier historia es lo más difícil. Encontrarás consejos de todo tipo para esta cuestión, desde «no empezar nunca con una línea de diálogo» a «los primeros párrafos deben captar la atención» e incluso «no introducir a los personajes precipitadamente».

¿Mi consejo? que nadie debe imponerte cómo y por qué empezar de cierta forma tu historia. Si tu inicio tiene gancho y funciona puedes escribirlo como mejor te parezca, eso sí, yo evitaría ciertas maneras que puedan resultar aburridas si no están del todo argumentadas, como empezar con un sueño o la rutina diaria de un personaje.

Una página que me ha ayudado mucho a superar el primer paso de esos inicios es el Tumblr The Writting Café. Está lleno de consejos y sugerencias de toda clase, desde cómo crear personajes, organizar la historia, cómo hacer que sea original, inventar nombres…

5. ¿Cómo debo escribir?

En esta cuestión entra mucho la inseguridad de «no tengo un estilo claro al escribir». Buscar una determinada voz o una forma de narrar una historia puede llevarte tiempo, pero una vez que lo tengas claro todo irá como la seda.

Algunos consejos básicos que sirven siempre son el uso de frases cortas, los signos de puntuación son muy importantes y ayudan mucho a establecer un ritmo en la narración, y sobre todo, para eliminar la paja. Si has introducido información irrelevante entonces no tiene por qué estar, no tienes por qué rellenar páginas y páginas, ¡que no estás escribiendo un trabajo para la universidad!

Un consejo que me ha servido a mí de mucho es el de este artículo de Chuck Palahniuk, donde aconseja encarecidamente deconstruir la forma de escribir. Mostrar las emociones de un personaje a partir de sus acciones y de los detalles visibles para él es su máxima, ya que deja al lector pensar e imaginar lo intangible, todo lo que implica de forma abstracta al personaje y que todos mostramos directamente al escribir por medio de lo que se denomina en el artículo como los «Thought Verbs» (tales como amar, odiar, pensar, creer, querer, saber…). Es una forma de escritura que se sale de lo convencional y que a mí me gusta aplicar.

6. ¿Qué escribir?

Ya sea la historia de tu próxima novela o un relato de página y media o una pequeña entrada para actualizar tu blog… ¡lo que escribes tiene siempre que gustarte a ti!

7. ¿Cuándo debo editar?

Mi consejo para esto siempre ha sido y será muy claro: NUNCA TE PARES A EDITAR. Puedes pasarte semanas enteras sin salir de una página en concreto. reescribiendo una misma escena o párrafo con el que todavía, todavía no has encontrado la forma perfecta en que dejarlo. No pares de escribir, acaba primero con tu primer borrador, que siempre tendrás tiempo para editar las veces que necesites lo que has escrito, pero es muy mala idea pararse a editar siempre cada dos por tres.

Si no tienes totalmente claro cómo acabar una escena no pasa nada, siempre puedes dejar indicado de forma escueta cómo quieres que acabe y volver atrás en algún momento o incluso adelantarte. Dejar huecos no es malo, encasillarte sí.

Hace poco descubrí también un método muy divertido para cuando no sabes qué palabra poner y no quieres pasarte veinte minutos parado pensando en ella. Simplemente escribe, cada vez que te ocurra, la palabra «elefante» (o la que te apetezca, ¡pero que sea siempre la misma!). Así cuando vuelvas atrás solo tienes que poner en el buscador de Word la palabra que elegiste y te llevará a esos huecos directamente.

Tu cara cuando no te sale la palabra que quieres poner.

Otros pequeños consejos que se me ocurren por experiencia pueden parecer menores pero son muy útiles. Escuchar las críticas sinceras de una persona de tu confianza sobre tus escritos te ayuda a aprender a aceptar las críticas constructivas e incluso las malas de otras personas que no lo son tanto; tomarte respiros que te obliguen a usar una limitada cantidad de tiempo en momentos de bloqueo mental es muy bueno, como hacer alguna tarea doméstica (poner la lavadora a mí me ayuda, fuera de coña). Y por último leer. Leer mucho mucho mucho. Aun así seguramente me haya dejado atrás algún detalle que comentar, algo que resaltar, algún consejo básico que puede servirle a alguien más que a otro… pero en eso se basa el escribir: en fallar. En fallar y aprender de ello y nunca dejar de intentar poner un poco de ti en cada palabra que sale de tu puño con toda la ilusión que puedas.

Y tú qué, ¿añadirías algún consejo a mi lista?

Recomendación de la semana: el arte de Elysa Castro

Como cada domingo (o casi cada domingo), nos gusta recomendaros algo, ya sea una película, un libro o escritor, una serie, un cómic… Y hoy yo vengo a hablaros de una ilustradora joven, granaína, con un estilo de dibujo chulísimo, y encima maja como ella sola. Os presento a Elysa Castro.

Aunque siempre le gustó ilustrar, empezó en el mundo del diseño y la decoración, que debido a la crisis tuvo que abandonar, para un tiempo después realizar el grado superior de ilustración, siendo el primer año que se impartía en Granada. Aunque anteriormente ya había trabajado algunos encargos para libros e independientes, no fue hasta terminar sus estudios cuando se centró de forma profesional. Trabajó durante unos años en una productora realizando proyectos de animación, pero actualmente está más enfocada en la ilustración infantil, editorial y publicitaria.

Proceso del dibujo para la exposición «SAVE&DESTROY: 50 ANIVERSARIO GODZILLA»

En sus trabajos, utiliza casi cualquier técnica, pero aun con soporte digital, nunca ha abandonado el dibujo tradicional. Es más, nos confiesa que se siente muy cómoda trabajando en papel, que además le permite disponer de una extensa carpeta de originales.

Aunque próximamente no tiene ningún evento o exposición previstos, sí que suele exponer regularmente con Susanita’s Little Gallery, una galería online donde se encuentran sus obras y las de otros muchos artistas, y que se centra sobre todo en Madrid. Pero estad atentos si queréis ver su trabajo en directo ¡porque avisaremos!

Original basado en el film «The Mummy» de Boris Karloff (1932), para «Universal VS Hammer Monsters Art Show», la última exposición de Susanita’s Little Gallery

Siendo ya una profesional del sector, le preguntamos a Elysa qué consejo le daría a toda la gente que quiere entrar en el mundo de la ilustración, y esto fue lo que nos dijo:

“Recomiendo tener mucha constancia y paciencia. No todo el mundo tiene las mismas facilidades. La localización, la economía y otros factores tienen mucho que ver, además hay muchas personas que se dedican a esto y muy buenas, pero si lo quieres, sudarás de forma incansable por ello…  Sin duda la forma de trabajar para mí ha sido la clave. Tener un título o pretender saberlo todo de la noche a la mañana, no te va a hacer ganarte el pan o llegar a ser alguien, ésta profesión conlleva muchas horas extras de esfuerzo y trabajo, cada día debes querer aprender un poco más y eso te hará crecer. Ser inconformista puede ser tan negativo como positivo, no enamorarte de tu obra te hará avanzar, pero tampoco te castigues; hay una evolución de un dibujo al siguiente, y es lo más bonito de observar con el tiempo.

La documentación es fundamental y tener referentes es un punto muy positivo, sobre todo cuando estás comenzando, hasta que llega el momento en el que empiezas  a comprobar como tu propio estilo va naciendo, porque es con el que te sentirás más cómodo.

Tu trabajo terminará teniendo influencia de cada persona con la que trabajes y te rodees, porque sin querer, además de técnica, nuestras obras se componen de valor sentimental y moral y es lo que las hace ser únicas.”

Autor: Claudia Antonelli

Review: ¡material de entintado!

Como ya debéis saber, estamos en pleno Inktober… Así que he querido aprovechar para enseñaros los distintos materiales de entintado que he ido utilizando estos años, los que uso ahora para cogerles maña y muchos otros que usamos las artistas de Papagaya. Podréis ver entonces qué es lo que más se acerca a aquello que buscáis, ¡un buen filtro antes de gastarnos los dineros!

· ROTULADORES CALIBRADOS.

STAEDTLER PIGMENT LINER

Fuente imagen: The Art Shop

Los primeros bolígrafos para entintar que tuve. El resultado me gusta mucho pero personalmente me parecen un poco difíciles de usar, ya que suelo inclinar mucho el cuerpo del boli y con estos, si lo haces, la tinta no sale igual. ¡A mí me funcionaban sólo en vertical!

UNI PIN

Fuente imagen: Jet Pens

Los probé un tiempo porque eran los más baratos de la tienda que teníamos en la facultad. Desde luego, WOULD TOTALLY NOT RECOMMEND: se me gastaban rapidísimo y el resultado me parecía más bien pobre. Me decía que a lo mejor era yo que los usaba mal, porque estos, a diferencia de los de Staedtler, sí funcionaban inclinando el boli… pero qué va. Ayyy, lo barato sale caro. Aunque reitero que es mi experiencia personal; conozco a gente en la carrera maravillada con estos bolis (… poca).

SAKURA PIGMA MICRON

Fuente imagen: Spray Planet

Los maravillosos, los estupendérrimos bolis calibrados Sakura. ¡Esto sí es buena relación calidad-precio! Duran, son fáciles de usar… y lo más importante, una vez secos no se corren con el agua. Las demás marcas tampoco es que dejaran lamparones de tinta, pero desde luego estos son los más resistentes que he probado. Vamos, el que no tiene uno de estos es hasta raro. (risas enlatadas) El de punta de pincel no me gustó mucho, se secó demasiado rápido.

· ROTULADORES DE PINCEL.

PINCEL DE AGUA

Fuente imagen: Lebrílope

¡Super útiles! Puedes meterles lo que te dé la gana: acuarela líquida (que tiene unos colores ultra intensos), tinta tal cual, tinta rebajada con agua… Yo los utilizo sobre todo de la última manera. «Agua sucia», como lo llama una de nuestras polluelas (Paula Mortise); para dar un sombreado es lo más cómodo (cuando no trabajas con tramas). Y si el gris que te da es demasiado oscuro, siempre puedes seguir rebajándolo mojando la punta del pincel en otro botecito de agua. Es super blando y maleable y muy cómodo.

PENTEL BRUSH

Fuente imagen: Lebrílope

Me dieron uno de éstos de segunda mano y aluciné en colores. La intensidad y la opacidad de la tinta eran increíbles, y el trazo tan caligrafía oriental me fascinaba. Lo usé mucho, mucho tiempo… hasta que se acabó la tinta. El que tengo no es exactamente el de la foto, sino un modelo más viejo, y no había manera de saber qué tinta tenía dentro porque era heredado… Así que ahora lo utilizo con otras tintas y es una auténtica pena, pero bueno.

PENTEL POCKET BRUSH

Fuente imagen: Lebrílope

Tardé muuuuucho en conocer la existencia de esta maravilla de la vida. Y cuando lo descubrí, que fue en la exposición de Paco Roca en el Espacio Fundación Telefónica de Madrid… me percaté de que lo usa todo el mundo (¡y eso es algo buenísimo porque la tinta para rellenarlo es mucho más accesible!). Grosor intermedio, maleable, fácil de usar y proporciona una línea super expresiva… Es definitivamente mi favorito.

PENTEL TOUCH

Fuente imagen: Jet Pens

Este ha sido mi gran descubrimiento en el Inktober de este año. ME ENCANTA. Lo vi por casualidad en La Madriguera, lo probé y caí en su HECHISO. Tiene una punta firme pero a la vez sensible, y la tinta es intensa… Para que me entendáis, es como dibujar con la tableta gráfica, ¡pero en tradicional! Es muy sensible a la presión que utilices al trazar, y eso me parece perfecto, porque la punta de pincel es más arbitraria y difícil de controlar. Eso sí, como ningún material es perfecto… incluso seco, es CERO resistente al agua.

Otra cosa que me disgusta un poco es que no se pueden hacer trazos rápidos y amplios porque no sale tanta tinta y se seca. Es como un quiero y no puedo. Aigh, qué lástima.

· PINCELES Y TINTAS

Fuente imagen: Centro ARTE

También se pueden utilizar pinceles normales y corrientes… pero, al menos para mí, son muchísimo más difíciles de controlar. Aun así, procedo a hablaros de las diferentes tintas que hemos ido probando.

TINTA NEGRA WINSOR & NEWTON

Fuente imagen: Hobby Craft

Dicen que esta es la mejor. A mí la verdá es que no me gusta demasiado. Esta marca es cara, y la intensidad y el acabado no me convencen mucho… ¡Pero para gustos, colores!

TINTA CHINA TALENS

Fuente imagen: Lebrílope

Mi preferidísima de todos los tiempos. Intensa (pues sí que estoy yo pesada con las intensidades) y negra como el ébano (y como mi futuro), ultra resistente al agua, opaca como ella sola… Buf, me encanta. Y estoy muy feliz de descubrir que es más accesible que antes porque llevaba siglos sin encontrarla en ninguna tienda física. La de la imagen es de 11 ml pero podéis encontrarla en botes más grandes.

TINTA PARKER

Fuente imagen: La factoría del arte

Esta no la he usado nunca, pero otros polluelos y polluelas sí. Normalmente es de un color gris azulado, y me dicen por el pinganillo que mezclándola con disolvente se pueden conseguir unos tonos naranja oxidados. Menuda pasada, ¿no?

TINTA SEPIA

Fuente imagen: Decoman

Esto es lo que usa el maravillosérrimo Juanjo Guarnido (o eso me ha chivado un profesor de la facultad), aunque él utiliza una marca francesa que desconozco. Es de color marrón claro (vamos… sepia) y yo la veo muy chula para entintar las líneas que marcan los límites de la piel. La he usado poquito, sinceramente.

Después de taaaaanta información… ¿os apetece ver cómo llevamos algunas polluelas el Inktober 2015?

Fuente imágenes: Andyn Ilustración

Fuente imágenes: Naitmarr

En cuanto a la accesibilidad de los productos… Sigo ofreciendo mi opinión personal: hay ciudades, como la mía (Alicante) que no tiene muchas tiendas especializadas en ilustración, y si las tienen, venden el material más caro de lo normal y además cuentan con muchas carencias. Para aquellos que sufrís lo mismo que sufrí yo (porque por suerte ahora estudio en Granada y hay un montón de tiendas con este tipo de materiales, como La Madriguera), una muy buena tienda online es Lebrílope, de donde tantas imágenes para este post he sacado. ¡Y además regalan chuches con los pedidos!

¡Y eso es todo por esta vez! Os digo de nuevo que esto es pura opinión personal, cada uno tiene que encontrar su manera más cómoda para trabajar. Por ejemplo, Andyn me confesó que a veces utiliza acuarelas para el delineado y que da resultados muy chulos, cosa que yo no he hecho jamás y que podría probar. Todo sea por compartir experiencias y aprender del resto, que es el conocimiento más directo y de mejor calidad que podemos obtener.

¿Qué utilizáis vosotros? ¿Tenéis alguna duda o sugerencia para otros posts similares? Si no, pues… ¡a entintar!

Autora: Naitmarr

Despacito y con buena letra: caligrafía, tipografía y lettering

Pocas cosas en la vida me gustan más que mirar fijamente a alguien que está escribiendo. Y si ya me dices que tiene buena letra, entonces apaga la luz y vámonos. Puro porno. Escribir yo o ver cómo alguien escribe no solo me parece precioso, sino que me relaja una barbaridad: es como un bálsamo, una forma de desconectar. Es por eso que todo aquello relacionado con las letras me fascina. Y en el mundo de las letras la caligrafía es la madre suprema.

La caligrafía existe desde el 2650 a.C. y sigue viva hoy en día. Es el arte de escribir bien, bonito, con armonía y corrección. Una maravilla, vamos. Los caracteres chinos son la forma más antigua de escritura y de caligrafía y se fundamenta en la belleza visual de sus formas. En Occidente también se desarrolla, claro, aunque de una forma muy distinta.

Sin embargo, la llegada de la imprenta en 1440 y, posteriormente, la máquina de escribir supusieron la muerte de la caligrafía dando lugar a una nueva forma de escritura: la tipografía. Esta es un conjunto de caracteres que comparten características comunes y que tienen un diseño trabajado y estudiado.

Aunque sean algo tan distinto, hoy en día existen miles de millones de tipografías con diseños basados en la tradicional caligrafía (tipografía caligráfica) pero no nos equivoquemos: diferenciarlas es fundamental. La tipografía es milimétricamente perfecta, mientras que la caligrafía tiene ese encanto del hermoso error.

Ejemplo de una tipografía caligráfica

Y llegados a este punto me paro en el que quiero que sea el protagonista de esta entrada: el lettering.

El lettering es, básicamente, llevar la caligrafía tradicional a otro nivel: usarla para crear auténticas obras de arte, usarla para dibujar. Ya no estamos escribiendo, sino que estamos dibujando palabras. Bonito, ¿verdad?

En el lettering la caligrafía se convierte en algo muy personal y subjetivo; el artista puede contarnos auténticas e increíbles historias con solo usar una o dos palabras. Nos pueden hablar de culturas o sentimientos con la simple ayuda del color o los elementos decorativos.

Sin duda alguna es un recurso genial con el que acompañar nuestras ilustraciones o nuestros textos. Y aunque aún es una técnica muy nueva, cada vez son más los adeptos que se apuntan a la moda de las letras dibujadas (yo incluida).

Lo mejor del lettering es que tiene como límite el cielo. Da igual el material con el que hagas tu obra: desde las clásicas tintas y pinceles caligráficos hasta un simple grafito o, por qué no, ¡comida!

¿Qué te parece el mundillo de la escritura artística? ¿Te guardas la técnica del lettering para algún posible proyecto futuro?

Autora: Andrea Núñez

¡Volvemos al ruedo!

Ay, el verano. Las mañanas de levantarse tarde, las comidas fresquitas con helado de postre, la piscina por la tarde, y los atardeceres en la playa. Momento en que la gente se va de vacaciones, a ver mundo, a pasarlo bien, a descansar… Y entonces pasa. El sofá nos atrapa. Las horas se nos van sin darnos cuenta, y esos proyectos que decíamos íbamos a hacer en vacaciones, se quedan sólo en eso: proyectos. En Papagaya también se nos han pegado un poco las sábanas de verano, pero… ¡No desesperéis! Porque llegamos con fuerzas renovadas, un montón de ganas de enseñaros esos trabajitos en los que andamos inmersos, los descubrimientos que hemos hecho este verano, ¡y conoceros en los eventos que están por venir!

Así que dejemos el verano atrás, recibamos al otoño con los brazos abiertos, ¡y vamos a por la nueva temporada tropical!

¿Estáis preparados?